jordi egea torrent

Los estudios de Diseño gráfico en la Escuela Massana de Barcelona fueron el germen de mi interés por la imagen fotográfica y la comunicación visual. Como la mayoría de los fotógrafos de aquella época en nuestro país, aprendimos la técnica de la fotografía analógica de forma autodidacta.

Más tarde e influenciado por las corrientes estéticas europeas y norteamericanas como August Sander y Cartier Bresson, la técnica desarrollada por Ansel Adams, Edward y Brett Weston, reflexiones sobre el medio fotográfico de Irving Penn y Richard Avedon, o la subjetividad de Robert Frank. Aprendimos a ver y reflexionar de forma distinta sobre nuestro entorno y la realidad social, muy distorsionada por años de autarquía estética. A través de estas corrientes profundizamos en términos técnicos hasta entonces desconocidos, luz fría, densitometria, Sistema de Zonas, Pyrogallol. En este contexto me propuse un proyecto que tuvo una cierta repercusión internacional. Me aproximé al medio social donde resido para fotografiar los rostros de hombres y mujeres de mi entorno, describiendo a través de su humanidad mi pequeña localidad. Seres reales de un pequeño pueblo que en si mismo expresa la fuerza del Universo. Un intento de configurar a través de sus imágenes, un discurso ético y estético con el cual me identifico culturalmente, me siento cómodo y las imágenes evidencian complicidad con el sujeto. Un ejercício de fotografiar personajes que me son cercanos, de mi entorno geográfico y anímico. Fué como un espejo simbólico que reflejaba mis emociones y mi realidad. El proyecto se materializó en forma de una exposición itinerante por diversos países y la edición de un libro titulado "Retrats, gent del poble, Argentona". Editado en catalán.

En la fotografía de paisaje deseo convulsionar el movimiento y la calma. Configurar un espacio de elementos contrapuestos, el dinamismo de nubes en movimiento, agua sedosa y elementos minimalistas protagonistas de un impacto visual. Deseo mostrar elementos que seduzcan y que construyan una geometría personal. Por estas razones trabajo los paisajes con filtros de densidad neutra. No busco la fidelidad objetiva, prefiero construir y transmitir mi subjetiva realidad. Vivimos en una realidad de color, transformar esta realidad en imágenes en blanco y negro es lo que más me aleja de esta objetividad y me permite construir un discurso estético distinto, personal y creativo.
La fotografía de larga exposición configura un diálogo reposado con el entorno, que te abraza y sumerge pausadamente, en un universo de luces y sombras. En el atardecer, la inexorabilidad del tiempo va transformando el entorno, de forma relajada las luces languidecen, aumentan los reflejos y los grises se transforman de forma casi imperceptible en penumbra. Una fotografía que se construye más sobre el tiempo que sobre la luz. Un silencio que emana de las fotos, es el silencio necesario en el que el fotógrafo se pone en paz y contempla a su alrededor. Esta simbiosis de luces y sombras, configuran mi reto fotográfico personal, casi un proceso dialéctico para encontrar cuando y donde la magia aparece, este instante donde la imagen que imagino se conjuga con la imagen de la retina. Así termina la búsqueda del instante preciso, que con el tiempo he descubierto que existe y me invita a esperar y compartir.
La belleza es un destino de la verdad, encontrar la verdad en la belleza es construir una estética. Los paisajes de larga exposición son una fotografía buscada, meditada y trabajada para mostrar un universo personal, una fantasía.

3 Etapa Actual.
La fotografia como expresión y emoción
Fotografía Fine Art de Arquitectura en blanco y negro,

Vivimos rodeados de color. Quizá por ello, la fotografía en blanco y negro conserva una capacidad singular para atraer nuestra mirada y romper con nuestra percepción habitual de la realidad. Al prescindir del color, la arquitectura se revela de otra manera: las formas, los volúmenes, las texturas y los contrastes adquieren protagonismo, mientras la luz se convierte en el elemento esencial que modela el espacio, define los volúmenes y construye la atmósfera. La imagen gana fuerza y dramatismo, y aquello que reconocemos como real comienza a transformarse en una nueva interpretación visual, cada vez más alejada de su referente original.

La fotografía arquitectónica Fine Art representa para mí la etapa más libre y creativa de mi trayectoria, un territorio en el que la interpretación personal se impone progresivamente a la representación objetiva. Si en mi fotografía de naturaleza el desafío consistía en establecer relaciones y contrastes entre distintos elementos, en esta etapa centrada en la arquitectura encuentro mi inspiración en la emoción que despiertan las creaciones humanas. Me aproximo a ellas desde una mirada propia, tratando de descubrir aquello que trasciende su función y su apariencia.

A través del juego de luces y sombras, de las texturas y de la geometría, transformo esas estructuras en imágenes que pertenecen cada vez menos al edificio original y cada vez más a mi propio universo visual. La arquitectura deja así de ser únicamente un objeto representado para convertirse en un lenguaje expresivo, capaz de sugerir formas, evocar sensaciones y despertar emociones.

Mi intención no es mostrar los edificios tal como son, sino explorar aquello que pueden llegar a ser a través de la fotografía: una interpretación subjetiva en la que la realidad se transforma y la arquitectura encuentra una nueva dimensión, abstracta, íntima y emocional.

Es una imagen del Centro Heydar Akiyev de Bakú. Inspirada en la solidez orgánica de la etapa de madurez de Zaha Hadid ZHA.

El trabajo de Zaha Hadid constituye una autentica delicia para el fotógrafo, especialmente por su capacidad de generar formas orgánicas, superficies curvas y espacios abiertos que se relacionan constantemente con la luz y la sombra. La fotografía parte de una arquitectura concreta pero el encuadre permite liberarla de su función y de su contexto hasta convertirla en una construcción visual propia. Las grandes curvas, las lineas que se persiguen y se entrecruzan y la profundidad de los espacios crean un juego tensionado que conduce la mirada sin un unico punto de llegada. El blanco y negro acentúa esta transformación.

El hecho de que vivimos en un universo de colores, tranformar esta realidad en imágenes en blanco y negro es lo que más me aleja de esta objetividad y me permite construir un discurso estético distinto, personal y creativo. Esta ha sido siempre mi preocupación desde el principio. No busco la fidelidad objetiva, prefiero construir y transmitir mi realidad subjetiva.

El reconocimiento de 12AWARDS supuso para mi la mejor expresión de que el trabajo fotográfico transmite un discurso estético, un lenguaje que es universal que nos permite intercambiar y compartir emociones desde universos lejamos.

Me dejo llevar por mi discurso interior, deseo buscar la inspiración, interpretar la emoción que emana del trabajo arquitectónico y transmitirlo como mi propia realidad subjetiva.